Body art... ¿Nos pintamos?

El Body Art es un estilo artístico que tuvo gran relevancia en Europa y Estados Unidos. Surge a finales de los años sesenta y se desarrolla en la década siguiente. En este proceso artístico, el artista utiliza su propio cuerpo como soporte material de una obra.

En dichas obras, los artistas tratan temas como la violencia, la autoagresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos. Así, el cuerpo puede estar transformado por un disfraz, ser utilizado como instrumento o unidad de medida, agredido o puesto a prueba hasta los límites del sufrimiento, etc. 

Sin embargo, hay que tener diferenciar entre body paint y body art. En primer lugar, el body paint trata de una técnica en la que el cuerpo está cubierto parcial o totalmente con diferentes pinturas de colores, con el objetivo de reflejar una obra de arte. Se limita a pintar el cuerpo, por lo que no hay modificaciones. En cambio, en el body art se puede utilizar el cuerpo total o parcialmente. Esta técnica incluye modificaciones.

A continuación, se adjunta un vídeo sobre el body art:

NUESTRO AMIGO PIET MONDRIAN

Piet Mondrian nació en los Países Bajos en el año 1872 y falleció en el año 1944 en Nueva York, creció en un ambiente familiar calvinista, es decir, basado en el cristianismo reformado. Fue un gran pintor holandés, uno de los artistas pertenecientes al movimiento vanguardista más importante del arte abstracto y, además, uno de los primeros artistas en iniciarse en el neoplasticismo. Su pintura se basa en el naturalismo o impresionismo, ya que, está formada en su gran mayoría por pinturas de paisajes representando molinos de viento, campos y ríos. 

Fue maestro de dibujo de educación obligatoria y debido a su éxito, se relacionó con innovadores artísticos importantes de este siglo. En 1902, viajó a París para ajustar los preceptos del cubismo a su obra, aunque, finalmente abandonó esta técnica. Volvió a su lugar de origen debido a la Primera Guerra Mundial, donde conoció a grandes artistas como Theo Van Doesburg, Van der Leck y Huszar. Junto a ellos, fundaron la revista y movimiento De Stjil. Este movimiento rechazaba la realidad y el lenguaje como aspecto principal de la obra, por lo que aceptaba la objetividad real. En 1940, se trasladó a Nueva York, donde su obra se influenció por el dinamismo de la vida urbana y por la música estadounidense, factores que fueron esenciales para introducir el color. 

En los inicios de su faceta como artista, este autor pintaba paisajes caracterizados por la presencia de líneas de horizontes altas que impedían percibir el cielo. Principalmente, los colores que predominaban en sus obras eran el malva, el gris y el verde oscuro. Además, utilizaba el puntillismo y los colores vivos del movimiento fovismo. Esta técnica cada vez era más utilizada y exagerada por parte del artista por lo que, influenciado por otros autores de la época como Pablo Picasso, decidió alejarse de estos elementos representativos basados en paisajes e indagar y evolucionar hacia un arte más abstracto y geométrico.

Para el autor, estas líneas horizontales y verticales eran formas sagradas. Con el uso de estas líneas tan continuamente utilizadas en sus últimos cuadros, el autor pretendía reproducir de forma abstracta algunos polos opuestos como lo horizontal con lo vertical, lo positivo y lo negativo, etc.

Una vez señalado algunas de las características por las que se diferencia este autor de todos los del siglo XX, a continuación, exponemos algunas de las obras de Piet Mondrian que nos han llamado la atención:

Título: Cuadro nº 2.

Título: New York City.

Título: Victory Boogie Woog

Para finalizar, hemos querido centrarnos en el cuadro sobre el que vamos a trabajar y a su vez, el más interesante para nosotras, ya que, como pretendía el autor, el significado de este no es más que la interpretación que tengamos cada uno de nosotros y cada una de nosotras. Así pues, os adjuntamos la ficha técnica de esta obra (haz clic sobre la imagen para ver con más detalle):

Tabla 1: “Composición en rojo, amarillo y azul” elaboración propia

Si quieres conocer más sobre este autor, puedes consultar los siguientes enlaces:

• https://historia-arte.com/artistas/piet-mondrian
• https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mondrian.htm
• https://es.wikipedia.org/wiki/Piet_Mondrian 

VIAJAMOS AL NEOPLASTICISMO

¡Hola a todos y todas! 👋👋👋

En este post vamos a explicar el movimiento artístico elegido para este proceso, el Neoplasticismo, también conocido como De Stilj. Se caracteriza por ser una corriente artística holandesa fundada por el autor Piet Mondrian junto con Theo Van Doesburg en el año 1917. Surgió de la búsqueda del arte que no incluyera elementos complejos, sino lo más básicos: neo (nuevo) y enfoque de las artes plásticas (plasticismo). Fue desarrollada en Holanda y pertenece al arte moderno, aunque también se puede encontrar dentro del arte abstracto, ya que se basa en reproducir colores y formas de la realidad.

La abstracción en este estilo es un aspecto fundamental porque estos autores modernos no querían reproducir elementos reconocibles de la realidad, sino dejar la mente libre para que nosotros y nosotras, como espectadores y espectadoras, desarrollemos nuestra propia visión de este a través de nuestra creatividad e imaginación.

Entre sus características más importantes de esta rama del arte podemos encontrar:

• El uso de la línea recta (horizontales y verticales) las cuales representan lo espiritual, material, masculino, femenino, positivo y negativo.

• La utilización de colores primarios (azul, amarillo y rojo) y colores neutros (blanco y negro).

• Ausencia de curvas.

• El abundante uso de líneas y figuras planas, siendo el rectángulo una forma básica, que aparece en la mayoría de los cuadros.

¿TE GUSTARÍA ADENTRARTE CON NOSOTRAS EN ESTE FANTÁSTICO PROCESO?

Queridos y queridas liencistas, 🖌️🎨

Hemos llegado al fin de las creaciones de nuestros procesos creativos y para finalizar, hemos querido viajar al neoplasticismo para mostraros a un gran autor de esta época, Piet Mondrian. En este nuevo proceso, hemos investigado sobre este movimiento, considerado uno de los más importantes del siglo XX, y junto a esto nos hemos informado sobre las técnicas de body art.

Todo esto lo hemos llevado a cabo realizando una representación de una de las obras de este autor, incorporando la técnica del body art. Además, hemos creado e incluido un objeto tridimensional con las mismas características de la obra y lo hemos insertado en ella.

INMACULADA CONCEPCIÓN

Hola a todos y todas! Aquí os dejamos la ficha técnica, análisis, representación de la obra y los materiales necesarios para su realización:

Para ver las imágenes con mayor claridad, haz clic sobre ellas:

Antes de exponer los materiales utilizados, he de decir que solo he hecho la representación de la obra desde arriba hasta un poco más para abajo de la rodilla, debido a que me parecía muy complicado imitar la peana de ángeles. Una vez comentado esto, para los materiales he necesitado:

En primer lugar, para simular la túnica de la virgen, he utilizado un disfraz de egipcia, el cual tiene las mangas hasta el codo. Para realizar las mangas largas con vuelo, utilicé dos camisetas básicas blancas, ambas de mangas largas. Metí los brazos por la parte del cuello y escondí las mangas por dentro. 

En segundo lugar, para el cinturón elegí un pañuelo rosa. Me lo anudé a la cintura y escondí uno de los extremos para que no se viera. Además, para que pareciera igual al de la obra, me lo pasé por arriba del pliegue para realizar el efecto de caída.

En tercer lugar, para el manto, utilicé una sábana “bajera” azul, ya que esta al tener elásticos en las cuatro esquinas, se consigue más volumen y vuelo. Además de ser más manejable que una sábana normal.

En cuarto lugar, tengo que destacar que el fondo es lo que más difícil me resultó, puesto que se mezclan varios colores para crear el cielo. Para ello, utilicé mi colcha.

Por otro lado, para el tema iluminación me puse debajo de una lámpara para que la luz fuera directa a mi rostro, y además, encendí todas las luces del salón para estar más iluminada. Me puse abundante colorete, brillo y corrector (para intentar ponerme más blanca) y me eché espuma en el pelo para que se me notara más los rizos. 

Finalmente, me ayudaron mis padres (Loli y Paco) a sujetar la colcha y mi hermano (Fran) a colocarme bien, ponerme los pliegues lo más parecido posible y a echarme la foto. Para crear el fondo un poco difuminado no utilicé ninguna aplicación especial, puse el efecto con la opción que me permitía el móvil.

SAN FRANCISCO DE PIE CONTEMPLANDO UNA CALAVERA

A continuación expondremos una de las representaciones religiosas más características de este autor, destacada por el juego de luces, el tenebrismo y la espiritualidad que refleja dicho personaje. 

Pincha en la foto para ver más detalles.

Pincha en la foto para ver más detalles.

En cuanto a los materiales que he utilizado, he de destacar en un primer momento los ropajes. En esta ocasión, poseía una túnica de nazareno de color blanco, algo ancha, por lo que esto podía permitir que se originara por sí solos los pliegues característicos del cuadro a representar, aunque tuve que destacar con algo de precisión y ayuda algunos de ellos. Además, aproveché que esta túnica estaba algo arrugada para así conseguir más pliegues y más sombras.

Como consecuencia de que en las mangas no se apreciaba bien la plegadura, también característicos de la obra, utilicé la capa de nazareno blanca para así abultar más esa parte de la ropa.

Por otro lado, utilicé una bufanda de color blanca para que formara parte de la capucha de esta vestimenta, ya que al no poseer una que se asemeje a la del cuadro, decidí suprimir parte de esta. Debido a su poca rigidez, utilicé un peine para levantar un poco este pañuelo y para que así se ilustrase parte del rostro, otro aspecto importante del cuadro a resaltar. También, utilicé un pañuelo de colores para recogerme un poco la túnica y que se viera el pie al igual que a San Francisco, aunque generalmente no se aprecie en la representación.

En cuanto a la calavera, al no poseer ningún elemento que se pareciera a este, utilicé un joyero con esa forma circular de color dorado, aunque por la técnica que he querido representar del claro-oscuro no se aprecia adecuadamente.

Para simular esta representación tenebre, con colores oscuros y/u ocres, oscurecí el lugar donde me tomé esta fotografía (una pared blanca) para que no entrase la luz del sol. Asimismo, para representar ese toque de luminosidad que vemos en la obra original, utilicé una vela, colocándola con ayuda de Juan José (mi pareja) y Daniel (mi hermano) en un sitio donde diera ese toque de luz, de la manera que fuera posible, en esa parte del ropaje. Además, debido a las sombras que se formaban en la parte del rostro, no vi necesario utilizar ningún maquillaje para oscurecerlo.

Por último, en cuanto a las ediciones, he de destacar que utilicé algunas de las opciones que me ofrecía mi ordenador portátil para así dar más luminosidad a aquellas partes que debían resaltar y oscurecer las sombras del fondo.

SAN SERAPIO

¡Hola! A continuación podéis observar la ficha técnica, el análisis, la representación y los materiales necesarios para la representación.

Para ver las imágenes con más claridad pincha sobre ellas

Los materiales empleados para la interpretación de la obra son los siguientes:

La vestimenta tenía que ser de color blanco tal y como establecía la regla mercedaria. Por tanto, utilicé una toga hecha con una sábana dándole forma, en cuanto a arrugas y volumen, para imitar el cuadro que posteriormente iba a ser representado. Asimismo, una túnica de nazareno ceñida por un cinturón y un escapulario en la parte delantera siendo este una funda de almohada. Para colocar dicho escapulario utilicé varios imperdibles, al igual que el escudo, siendo este confeccionado con una cartulina donde dibujé el diseño, lo coloreé con lápices de colores y posteriormente, lo recorté.

En cuanto al peinado, al ser el protagonista un hombre y tener el pelo corto, opté por recogérmelo con un rodete bajo. Además, como podemos observar las manos de San Serapio se encuentran atadas, entonces, reciclé de una especie de “cesta” que tenía en mi casa y la recorté por la mitad. De esta forma, por donde yo estaba atada eran las asas. Por último, he de comentar que no utilicé ningún tipo de maquillaje, ya que al editarla conseguía los efectos que deseaba. Este proceso se llevó a cabo con varias aplicaciones de ediciones, siendo estas “Vsco” y “Lightroom”. El resultado final fue una foto más tenue y con menos brillo y claridad que la original, puesto que teniendo en cuenta a San Serapio, tenía que ponerme el rostro más blanco y proyectar luminosidad exclusivamente al hábito.

Para finalizar, he de destacar que la foto fue realizada por mi hermano Jesús con un dispositivo móvil y en una habitación a oscuras. A ello se le suma la presencia de un familiar, mi tía Carmen, sujetando un flexo para iluminarme el pecho y el rostro. Para finalizar, una de las cuerdas estaba agarrada al pomo del armario y la otra la aguantaba mi madre, Antonia.